Soul vient tout juste de débarquer sur Disney+ afin de réchauffer le coeur de tous les amateurs de Pixar. Mais parce que tout le monde n'est pas abonné au service de streaming de tonton Mickey, on s'est dit que l'occasion était trop belle de revenir sur 10 films d'animation pour petits et grands.

Le stuio Disney, qui règne sur l'animation grand-public depuis des décennies, est parfois perçu comme un gage de qualité telle qu'il en éclipse tous ses concurrents, quand ce ne sont pas ses puissantes stratégies marketing qui se chargent d'oblitérer le reste du paysage animé. Pourtant, de tout temps, des studio se sont frottés au formidable défi consistant à chasser sur les plates-bandes de Disney. Et si aucun n'est parvenu à prospérer aussi durablement que l'entreprise créée par un certain Walt, on trouve néanmoins dans leurs catalogues quantités de superbes pépites.

Bien sûr, un classement de dix oeuvres ne saurait prétendre à l'exhaustivité, et nous contraint à effectuer quelques choix douloureux. Ne vous émeuvez donc pas si certains de vos chouchoux manquent à l'appel, comme Le géant de fer, chef d'oeuvre de Brad Bird, très commenté ces derniers mois, et qui nous semblait pouvoir laisser sa place à quelques autres productions un peu moins reconnues (on lui avait d'ailleurs consacré un dossier rien qu'à lui).

Un film d'animation Soulé par la concurrence ?

Batman contre le fantôme masqué

De quoi ça parle : Plusieurs chefs de la pègre décèdent suite aux attaques d’une silhouette fantomatique qui rôde à Gotham City. Alors que les autorités de la ville accusent Batman de ces meurtres, Bruce Wayne doit affronter son passé quand son ex-fiancée, Andréa Beaumont, revient d'Europe.

Pourquoi les petits regardent : Dérivée de la mythique série d’animation des années 90, Batman contre le Fantôme masqué est un véritable délice pour les fans du Chevalier noir. Bruce Timm et son équipe créent une histoire autonome avec un méchant inédit et charismatique, tout en s'amusant avec l'écurie de vilains de Gotham (le Joker en tête).

Grâce à un scénario aux enjeux parfaitement dessinés, le film jouit d’une épure adaptée aux enfants en quête d’aventure palpitante, tout en proposant de multiples niveaux de lecture. Non seulement l’ensemble est magnifique de bout en bout, mais il ne prend jamais les marmots pour des jambons, et ose mettre en scène un Batman en difficulté dans un contexte aux frontières de l’horreur, pour une tension maximale. Et c’est pour ça qu’ils en redemandent !

Non, ce n'est pas un méchant de Scooby-Doo !

Pourquoi les grands restent devant : Avec Le Fantôme masqué, Bruce Timm parvient à pousser dans ses retranchements son esthétique dérivée du film noir, notamment en y accolant une science-fiction steampunk qui marque l’héritage des super-héros. En introduisant un parc d’expositions qui n’est pas sans rappeler le Tomorrowland de Disneyland, le film joue avec un certain sens du merveilleux, pour mieux le briser par la suite. En résulte d’ailleurs un combat final hautement jouissif au cœur d’une maquette, où Batman et son opposant deviennent littéralement des monstres géants qui détruisent la ville.

C’est par ces petites touches très malines que Le Fantôme masqué interroge la raison d’être de Batman, au point d’ailleurs d’en faire l’une des adaptations les plus matures de l’homme chauve-souris. Derrière une histoire d’amour qui met à nu ce cher Bruce Wayne, le long-métrage déploie une origin-story déguisée, où la naissance de Batman est perçue comme une tragédie, l’échec d’un homme dans le dépassement de son deuil. C’est quand même autre chose que le Martha de Zack Snyder !

Batman en icône tragique : Bruce Timm a tout compris !

La Tortue rouge

De quoi ça parle : À travers l’histoire d’un naufragé sur une île déserte tropicale peuplée de tortues, de crabes et d’oiseaux, La Tortue rouge raconte les grandes étapes de la vie d’un être humain.

Pourquoi les petits regardent : Réalisé par le Belge Michael Dudok de Wit, La Tortue Rouge est la première œuvre occidentale à recevoir le soutien du studio Ghibli, et plus particulièrement du génial Isao Takahata (Le Tombeau des lucioles, Le Conte de la princesse Kaguya). Cette association engendre un film d’une beauté sans pareille, où l’épure des traits n’a d’égale que celle d’une narration basée sur la robinsonnade. L’île déserte possède la magie d’un cocon inexploré, d’un lieu de tous les possibles.

Pour les enfants, La Tortue rouge est ainsi un pur récit dépaysant, aux couleurs chatoyantes et aux animaux mignons. Mais surtout, le long-métrage possède une force de frappe universelle, grâce à son absence totale de dialogues. Quel que soit votre âge, difficile de rester de marbre face à la nouvelle vie qu’essaie de se construire le naufragé.

L'édentée de la mer

Pourquoi les grands restent devant : Avec son sens de l’épure, le long-métrage est plus qu’un simple film de survie. Son animation interroge en permanence la reconstitution du mouvement, et la place du corps humain dans son environnement. En plus d’aborder des thématiques écologiques à propos, La Tortue rouge parvient magnifiquement à mettre en scène des concepts philosophiques, entre “l’état de nature” rousseauiste et “l’animal politique” d’Aristote. Le héros est non seulement incapable de vivre seul, mais il a besoin de son pouvoir de création. Le décor de carte postale n’est pas le réceptacle d'un bonheur indiscutable, mais bien un terrain d’expérimentations.

C’est d’ailleurs pour cette raison que le verbal est évincé au profit d’un pur langage corporel. L’interaction avec la nature nous renvoie à notre propre finalité, au besoin de trouver un sens à la vie et un bonheur en étant conscient de notre mortalité. L’amour, la famille, et l’héritage qu’on laisse derrière soi : La Tortue rouge aborde les passages centraux de la vie avec une fluidité déconcertante. Pas sûr que les parents en ressortent indemnes.

Cette splendeur !

Les 12 travaux d'Astérix

"Continuez sans mouaaa"

Le roi et l'oiseau

Image de fin légèrement traumatisante

L'ÎLE AUX CHIENS

De quoi ça parle : Un enfant part à la recherche de son fidèle toutou, exilé, avec tous les autres chiens du Japon, sur une île-décharge, avant de sauver les malheureux canidés de leur triste condition.

Pourquoi les petits regardent : Parce que si Wes Anderson est un metteur en scène maniériste, dont le cinéma parle avant tout aux adultes, quand il passe du côté de l'animation, comme il le fit avecle bouleversant Fantastic Mr. Fox, c'est à l'enfance qu'il s'adresse. Son portrait d'Atari passionne pare qu'on y retrouve l'intensité et la pureté des émotions qui président aux vies de nos chères têtes blondes. Et quelle surprise pour un jeune spectateur découvrant le film, d'être emmené au-delà de la fable sur l'amitié d'un petit garçon et de son courageux clébard, pour aboutir à une grande leçon de bravoure et de responsabilité. Un grand spectacle, visuellement épatant, et sentimentalement ravageur.

L'animation est le meilleur ami de l'homme

Pourquoi les grands restent : Anderson se pose souvent la question du lien entre les générations, leurs responsabilités les unes envers les autres et de l'engagement des plus forts pour soutenir les plus faibles. Un message qui touchera forcément les parents montrant L'Île aux Chiens à leur descendance, notamment lors de la dernière demi-heure du récit, véritable épopée émotionnelle aux enjeux plus forts à chaque séquence.

Mais pour le cinéphile accompli, cette nouvelle aventure en stop-motion (technique d'animation image par image, réalisée à partir de modèles réduits) est avant tout une réussite technique et artistique comme on en croise trop rarement. Le niveau de détail et d'expressivité des personnages est exceptionnel, souvent très supérieur à celui des blockbusters d'animation 3D. L'amour de l'artisanat, l'orfévrerie de l'ensemble est relevé par le fabuleux sens du cadre de Wes Anderson. Tantôt grave, tantôt poétique, il cite bien sûr les cinémas d'Akira Kurosawa et Ozu, mais c'est bien son immense délicatesse qu'on retrouve dans cette création éclatante.

Les 7 Chiens de la casse

Tempête de boulettes géantes

L'étrange pouvoir de Norman

Calamity, Une enfance de Martha Jane Cannary

De quoi ça parle : D'une aventure pleine de dangers et riche en rencontres qui, étape par étape, révélera la mythique Calamity Jane.

Pourquoi les petits regardent : Calamity promet de se dérouler à hauteur d'enfant et tient sa promesse. Quand tous les personnages adultes maintiennent les femmes dans une position de subalterne et sont trop peureux pour reprendre ce qu'on leur a volé, Calamity n'hésite pas à quitter le groupe pour partir seule.

Refusant de partager les rêves de mariage et toutes les mornes ambitions des filles qui l'entourent, mais ne voulant pas plus de la lâcheté et de la masculinité violente des garçons, le personnage de Calamity est un pur exemple d'écriture. La débarasser des normes propres à un genre ou à l'autre permet d'en faire un personnage aussi vigoureux et courageux qu'attentif et loyal. Quand on a la chance de découvrir le film en salles, il faut voir comment les enfants y sont sensibles. Ils rient, ont peur, et sont emportés avec Calamity sans aucun temps mort.

Pourquoi les grands restent devant : Et on réagit autant, pour ne pas dire plus qu'eux. Malgré un scénario aussi épuré que l'ésthétique visuelle du film, Calamity est d'une densité hypnotique. Il n'y a pas la moindre seconde de relâchement dans le film. Le plus fou, c'est que le personnage ne cesse de frôler la mort. Mais pas une mort de dessin-animé pour enfant : une vraie mort. Calamity est coincée dans une calèche qui chute dans un ravin, elle fait tomber sa lampe torche et se perd au beau milieu d'une mine souterraine, et se retrouve les mains menottées dans le dos sur un cheval qui déambule dans un  paysage esseulé. Autrement dit, le film propose de vraies situations de suspens et même de peur, et la résolution est toujours intelligente.

Le film n'a rien qui relève d'une logique de quotas, qui fait qu'un personnage masculin est artificiellement remplacé par une femme sans que rien ne change dans le fond. Ici, le genre est questionné, performé, malaxé, ce qui permet de déployer les qualités du récit, les possibilités de scénario et de mise en scène. Quelques minutes suffisent pour comprendre pourquoi le film a reçu le Cristal du long-métrage, récompense suprême au festival d'Annecy en 2020. Même sans enfants, courez-le voir.

Toi en quête du DVD de Calamity après avoir lu cette critique

BRISBY ET LE SECRET DE NIHM

De quoi ça parle : Du combat d'une souris pour sauver sa maison et sa famille des humains, l'amenant à s'allier avec les rats, à jamais changés par leur proximité avec les hommes.

Pourquoi les petits regardent : Parce que la constante des films de Don Bluth, c'est la capacité à prendre des thèmes extrêmement complexes, des sujets difficiles, pour les mettre à portée des plus jeunes. Du Petit dinosaure et la vallée des merveilles, en passant par Fievel et le nouveau monde jusqu'à Brisby et le secret de NIMH, il aura évoqué le deuil, la solitude, l'immigration, la révolution russe, l'Amérique des années 20, le sacrifice, la maternité et les expérimentations animales. Toujours à l'affût de symboles et d'images fortes, il sait enflammer l'imaginaire tout comme il le conjugue avec la culture collective, pour toujours s'inscrire avec force dans un grand récit évocateur.

C'est particulièrement le cas ici, ou refusant tout manichéisme, il traite toujours ses personnages en nuances, à travers l'ombre mais aussi la lumière. Un mélange savamment dosé, qui marque souvent les plus jeunes, tant certaines séquences sont impressionnantes, merveilleuses, ou inquiétantes. En outre, le film contient plusieurs scènes d'une grande puissance, où la mise en scène s'avère d'une richesse irrésistible. De la chanson de Brisby à la rencontre avec Nicodemus, toute droit sortie des Indes noires de Jules Vernes, le dessin animé sidère.

Il a pris cher Archimède

Pourquoi les grands restent devant : Difficile de ne pas rester bouche bée devant la débauche de talent à l'écran. Quand on sait que ce film, parmi les premiers entièrement dirigés par Bluth, fut réalisé à l'économie, on réalise l'étendue de sa maîtrise. Même dans les productions Disney les plus abouties, on aura rarement fait face à une telle avalanche de détails, à un trait aussi rigoureux et néanmoins chaleureux. En outre, pour le cinéphile amateur de découpage, le dessin animé demeure une véritable leçon de dramaturgie et de narration par l'espace.

En témoigne la séquence d'intrusion dans la cuisine des fermiers, sorte de classique du cartoon américain totalement revisité, qui se transforme en festival de suspense monté au cordeau. Et le métrage regorge de ces réussites, notamment grâce à sa gestion de l'empathie. Tandis que les petits seront logiquement sensible à la dimension aventureuse du récit, les plus âgés seront frappés par sa propension à traiter de la parentalité et de la responsabilité, mais aussi de la complexité des jeux de pouvoirs.

Quand les méchants sont vraiment méchants

HAPPY FEET 2 

De quoi ça parle : Un peu de banquise, beaucoup de pingouins, mais surtout de danse, de transmission et de solidarité.

Pourquoi les petits regardent : On ne va pas se mentir, avec une bande-originale endiablée, des chorégraphies hyper-actives et une avalanche de gags, les têtes blondes ont de quoi profiter d'un festin. mais au-delà de ce festival éreintant de délires multicolores, se cache une vraie réussite émotionnelle. En se focalisant sur le destin mouvementé d'un jeune pingouin, en ambrassant ses peurs et ses complexes pour se mettre à la hauteur de ce jeune héros, le film fait souvent écho aux agoisses sourdes des plus jeunes et les exorcice avec une sympathique bonne humeur.

Pourquoi les grands restent devant : Avec George Miller aux commandes, les cinéphiles sont servis. Le créateur de Mad Max s'est souvent illsutré par une impressionnante versatilité, mais après un premier Happy Feet réussi, on ne s'attendait pas forcément à ce que le metteur en scène fasse encore mieux à l'occasion d'une suite que personne n'attendait. Et pourtant, il fait preuve ici d'une inventivité en termes de découpage et de montage que peu de cinéastes peuvent espérer atteindre. Sa virtuosité est telle qu'elle fait largement oublier la décennie qui nous sépare de la sortie du film, au cours de laquelle les progrès technologiques de l'animation 3D aurait pu rendre le tout obsolète.

C'est donc bien à un pur moment de cinéma qu'il convie le spectateur, moment d'autant plus galvanisant qu'il s'autorise, une fois n'est pas coutume chez Miller, de purs délires parfois hilarants. Confiant régulièrement les rênes du récit à ses comédiens, méthode trop rare dans l'animation, il nous offre ici et là des pauses parfaites, en particulier les mésaventures de ses deux crevettes affamées, campées par Matt Damon et Brad Pitt.

Qui aurait pu se douter qu'il deviendrait un des pires ennemis de Batman ?